Le 9 juillet 2013, Jean-Michel Pancin nous a ouvert les portes de la prison Ste Anne à Avignon, fermée en 2003.

Ce plasticien avignonnais a formé le projet d’explorer, à sa manière, ce lieu carcéral désaffecté en l’abordant par des prises de vue puis, au fur et à mesure de son immersion, il a effectué des collectes d’objets (pelotes), des vidéos (avec la collaboration d’anciens détenus), des déposes de peintures murales (beaucoup de nus), des sauvegardes de dessins (sur 6 portes de cellules prélevées), des frottages de graffitis gravés (cœurs) et des relevés de « slogans » : « la connerie c’est la décontraction de l’intelligence » 

 L’ exploration de JM Pancin a duré 8 mois dans ce monde clos et abandonné aux animaux, aux végétaux , éventré par des trous de sondages : JM Pancin constate à chaque visite la dégradation de ce lieu à l’architecture imposante. 

Dans ce contexte, son travail est une opération de sauvetage, il tient de l’engagement, humain et financier et témoigne, bien sûr, d’un lieu de mémoire « chargé » où éclats de lumière et de violence sautent aux yeux, crûment, mais au regard « ethnographique » s’ajoute une démarche artistique.

Dans la cellule 115, JM Pancin a installé son atelier-laboratoire : bocaux de résine, gaze et toile de jute nécessaires à la dépose - patiente et souvent risquée - des peintures murales, anonymes, souvent collectives et pouvant atteindre 30m2.

La technique du « strappo » utilisée en restauration a dû être adaptée en conséquence.

JM Pancin s’applique à récupérer les fresques en l’état, sans restauration postérieure pour une restitution authentique : il archive des reliques symboliques, toute une mythologie pénitentiaire..

  En parcourant le dédale de la prison : cours tendues de filets et de barbelés, longs couloirs entre ombre et lumière, cellules peintes en bleu azur ou rose laiteux, autant de lieux de vie et de péril propices à l’objectif photographique, JM Pancin nous livre ses réflexions sur le processus de création en prison : « l’enfermement génère des besoins d’images et d’évasion », ( outre les peintures, certaines cellules sont tapissées de photos de magazines…), « sauf exceptions, la prison déconstruit et la création permet de se reconstruire, autrement, » le processus de création existe ici en réaction à une agression, une privation et ne découle pas « d’un projet de création plastique à part entière », tel qu’un plasticien peut le concevoir.

L’intérêt des dessins et peintures des détenus  «réside surtout dans la charge émotionnelle »  qui s’en dégage plus que dans la valeur artistique intrinsèque.

En complément de son implication sur le terrain, JM Pancin a participé à des débats sur la place de la création en prison, entre autres avec le critique d’art Paul Ardenne .

Une partie de la fresque de la salle commune

JM Pancin avoue que cette expérience dans le silence de l’ univers carcéral a fortement impacté sa vie et changé sa vision de la société, il fait référence à Jean Genêt et aux théories de Foucault sur la réalité de la logique carcérale. L’ inventaire « archéo-plastique » réalisé in situ méritait de laisser des traces et des expositions y ont fait suite : en 2011 au Salon de Montrouge, en 2012 aux Abattoirs, à Toulouse et en mai 2013 au Palais de Tokyo à Paris . La scénographie originale de l’exposition présentée à Paris reproduisait le « décor » d’origine de la prison grâce au transport de six lourdes et sonores portes des cellules sur place, dans l’axe du judas de la porte, les peintures murales déposées étaient accrochées sur un mur et visibles dans une « juste » lumière, autrement dit avec les mots de l’artiste : « J’ai transposé ces fragments sur des plaques d’aluminium montées sur châssis afin de garder mobile et libre cette mémoire que j’ai laborieusement libérée des murs de la prison »

 De notre plongée dans ce monde de l’autarcie partagée à sa restitution plurielle par un plasticien polymorphe, nous tirons une conclusion évidente : une exposition de Jean-Michel Pancin sur sa ville et dans sa ville va doublement de soi .

Texte : Corinne Roux

Photographies : Françoise Dumon 

PS, plusieurs de ces peintures murales ont été exposées au Palais de Tokyo, à Paris, du 19 avril au 20 mai 2013, sous forme d'installation :

http://www.palaisdetokyo.com/fr/exposition/modules-fondation-pierre-berge-yves-saint-laurent/jean-michel-pancin

En parallèle à cet article, vous pouvez voir un diaporama de la prison sur mon blog :

http://avignon-etats-lieux.blogspot.fr/2013/07/requiem-pour-la-prison-sainte-anne.html

FD

Du 6 septembre au 31 octobre 2013, l'avignonnais Xavier Spatafora investira l'espace de la Maison LPasse design, à Beaucaire créée par le menuisier créateur Laurent Passe. Ce rendez-vous prendra la forme, non pas d'une galerie, mais d'un lieu de vie éphémère.

L'occasion d'une plongée dans son univers artistique, constitué d'un ensemble de strates aux caractères distincts.

Formé à l’École d'Art d'Avignon, Xavier Spatafora, travailleur insatiable, révèle les formes et les émotions avec une étonnante poésie : «Être artiste, c'est avant tout une question de regard». C'est ainsi qu'il a commencé à s’intéresser à un matériau original qui est devenu sa matière première de prédilection: les murs d'affiches, arrachés aux panneaux publicitaires, qui forment une matière aux qualités plastiques indéniables. Pour l'artiste ce matériau présente également un riche contenu sémantique qui fait écho à sa démarche artistique sur le temps : «Ce qui m’intéresse dans le matériau, au delà de ses qualités plastiques, c'est le fait qu'il soit le produit d'un travail de collages successifs par les poseurs d'affiches et qu'il soit une sorte de carottage du temps, témoignage chronologique de la vie de la société, un événement nouveau recouvrant le plus ancien».

Inspiré par la douceur pastel de cette peau de papier, Xavier Spatafora a réalisé une série de dessins, visions fantomatiques rendues sensibles par l'artiste, dans le magma des couches successives. Il dessine exclusivement au moyen d'un stylo Bic® cristal noir. Un outil banal pour faire apparaître ce qui tend à disparaître : les animaux, le travail des mains de l'homme et de l'artiste.

Cette notion de stratification se retrouve également dans sa peinture. Grâce à une technique d'empreinte, l'artiste fait naître des formes et des couleurs profondes ; chaque couche, plus ou moins poreuse, occulte ou révèle la précédente. Les formes abstraites rendues visibles renvoient à des émotions collectives et inconscientes. Ces peintures sont conçues pour être le support d'une observation hypnotique, comme devant une flamme réconfortante.

Xavier Spatafora continue de conter les couches

sédimentaires du papier; libéré de toute figuration, l'artiste explore les notions de limite et de territoires à travers les qualités intrinsèques du support.

Il devient cartographe et s'emploie à cerner ces paysages imaginaires.

Jouant des reliefs de la superposition de ce matériau, par définition plat, il rend le volume au papier ; les strates deviennent une écorce, les territoires évoquent des cernes concentriques comme si le papier se souvenait de l'arbre.

Photo Xavier Spatafora

Et le dessinateur devient sculpteur.

Débordant de projets, Xavier Spatafora a commencé un nouveau travail d’œuvre/objet et la poésie du quotidien...à découvrir prochainement. 

L'exposition née de la collaboration avec Laurent Passe, donnera à voir un  point de convergence des deux sensibilités, différentes mais néanmoins en connexion.

Photo Xavier Spatafora

La Maison LPasse Design – Showroom & Boutique

21 quai de la Paix – 30 300 BEAUCAIRE (France)

T. +33 (0)6 61 70 67 03

F. +33 (0)9 72 25 92 74

Horaire d’ouverture du 6 septembre au 31 octobre 2013
Tous les jours de 10h à 12h et de 15h à 18h – Fermé les mercredis et dimanches.

Texte A.Narcisi

Du 13 avril au 4 mai, Rose Lemeunier était à l'honneur à la Galerie du Parcours de l'art, 69 rue Bonneterie, afin de présenter son exposition «Petites formes mouvantes».

L'artiste, originaire du Mans, utilise comme matière première des images furtives de paysages tronqués, cueillies le long de l'autoroute menant à sa région natale.

Photo Mac'A FD

Ces paysages urbains dessinés au crayon, se télescopent avec la matière abstraite de l’aquarelle: dans son dessin, l'artiste crée l'accident au moyen d'une tache de couleur, dissolution de l'image, évoquant la brutalité du changement induit par la vitesse.

                                                                                                         Photo Mac'A FD

Rose Lemeunier crée une tension entre paysages industriels rigides et formes humaines mouvantes et vibrantes. Le traitement en touches courbes des figures humaines renforce la dichotomie entre la dimension du paysage et celle de l'humain, entre les mouvements robotisés de la grue et le geste du semeur, ouvrant une réflexion sur son propre geste d'artiste.

 www.roselemeunier@odexpo.com

L'artiste s'interroge sur l'impact de l'instantanéité sur la société: A quel point la modernité, l'industrialisation, la mécanisation et la vitesse , influencent-elles notre perception du monde? Un retour aux sources est-il encore possible dans un paysage qui change si vite?

Rose Lemeunier participera à une exposition collective à la Tour Philippe Le Bel de Villeneuve les Avignon, avec Greca Dapelo, Axelle Perrot, Sylvia Cabezas-Pizzaro, installations, sculptures, dessins, peintures... du 29 juin au 1er septembre 2013.

A.N. 15 mai 2013

L'exposition à la galerie 16/10 se prolonge au mois d'août, Karine Debouzie recevra les visiteurs sur rendez-vous :

Galerie 16/10, 10 rue du portail Magnanen - Avignon
Visites sur rendez-vous au +33 6 52 18 99 07

L'installation "Evolucyte" s'y propage durant toute la durée de l'exposition :

Les bulles de latex colonisent les murs, le sol et le plafond de la galerie. Les bulles, il faut les percer pour que le latex prennent une surface lisse. Mais ce n'est pas seulement cela, il y a un petit côté science-fiction avec cette colonie, mi-organes, mi-organismes que l'on pourrait presque croire vivants. Le vivant n'est jamais loin dans l'œuvre de Karine Debouzie, notre corps en est au centre, l'enveloppe et la chair,  tous nos composants, ceux qui restent et prennent leur indépendance,

pour mieux nous représenter.

Autre lieu, la cour des Archives Municipales avec l'exposition "Hyper . corps" , visible encore jusqu'au 10 août 2012. Ici elle partage le lieu avec un autre artiste avignonnais, Matthieu Faury.

Le projet est présenté ainsi :

"Qu’y a-t-il sous la peau ?
Qu’y a-t-il dans nos gênes ?
Le corps est comme l’univers, il est encore plein de territoires à découvrir et explorer.
La comparaison n’est pas anodine : la ressemblance entre la série d’images médicales présentées par Karine Debouzie et les images spatiales est extrêmement frappante. 2012, odyssée du corps.
Comme toujours on découvre l’infiniment grand au fond de l’infiniment petit.
Un autre monde assurément, où il serait aussi possible pour l’homme d’être enceint.
Au delà des images et de la matière, les mots et les concepts prennent maintenant un sens nouveau.
Carnation/incarnation résonnent dans le travail de Karine Debouzie, Création/procréation dans celui de Matthieu Faury. La connaissance et l’éthique croisent le chemin de l’art."

La confrontation peut déranger, mais elle questionne, c'est bien l'essentiel.  Le choix d'un esthétisme froid, le noir et blanc, l'aspect métallique... permet  la distance par rapport à des questions profondes, fondamentales et souvent douloureuses, sur notre identité sexuelle, notre identité en tant qu'être humain.

Exposition du 13 juin au 10 août 2012
Karine Debouzie & Matthieu Faury
Cour des Archives municipales

Catherine Duchêne a installé son atelier à la galerie Tampopo, 10 rue du chapeau rouge à Avignon, jusqu'à la fin du mois de juin, pour une résidence studieuse. C'est là que le tout nouveau groupe communication de la MAC'A (1), l'a rencontrée ce mardi 17 avril pour un entretien autour de son travail et ses projets.

Après un parcours atypique(2), cette jeune artiste a choisi des médias « classiques » pour s'exprimer, la peinture, la gravure et le dessin. Les formats sont variables, depuis les monotypes, presque intimistes, jusqu'aux très grandes toiles des séries des Martyrs, ou de celles des Saintes. Les fusains au noir profond, comme les couleurs acides ou faussement chaudes des acryliques et des huiles, matières et teintes se font suaves ou crissantes, c'est selon, le trait de l'artiste ou l'humeur de celui qui regarde.

Mais toujours cette sensualité dans la forme de ces corps tendus ou plus rarement alanguis, car la démarche de Catherine Duchêne s’inscrit dans la mouvance de l'expressionnisme contemporain qui a remis le corps humain au centre de sa recherche d'éternel et d'universel.

La quête de l'intériorité portée par une grande exigence se lit notamment dans les croquis, à la recherche du mouvement, dynamique exprimée de la tension interne et reflet de l'invisible, effectués d'après modèle, ce que l'artiste appelle « gribouilles » et ses dessins, plus construits déjà, dans la recherche ici d'un équilibre et d'un dialogue avec le blanc de la feuille.

Cette quête du mouvement se retrouve dans les peintures et la composition des foules qui nous interpellent.  Car il est impossible de rester indifférent...

Vous pouvez retrouver les œuvres de Catherine Duchêne et la rencontrer à :

L'Atelier

10, rue du Chapeau Rouge

84000 Avignon

06.23.99.02.64 - contact@catherine-duchene.com

http://www.facebook.com/cath.duchene

http://www.catherine-duchene.com

(1) ce groupe, encore à la recherche d'une identité, s'est fixé comme objectif de suivre l'actualité avignonnaise de l'art contemporain et d'aller à la rencontre des plasticiens contemporains qui ont choisi Avignon pour résidence et/ou lieu de travail, comme Catherine Duchêne.

(2) Cette jeune artiste fait déjà preuve d'une grande maturité, son parcours en fait la preuve. Elle a choisi d'être l'élève de Jean-Yves Guionet, peintre « néo-expressionniste-matiériste », comme il est défini par Daniel Lacomme sur son site http://guionet.pagesperso-orange.fr/frame.htm). Elle a ensuite intégré les Beaux Arts de Versailles directement en troisième année, puis de tenter un parcours d'arthérapeute, avant de choisir de se consacrer entièrement à sa recherche artistique.