" Raoul Dufy, l’ivresse de la couleur "

et

" Zones de Fusion "

Deux visites étaient au programme de cette fin juin pour les adhérents de la MAC’A : Raoul Dufy, à l’Hôtel de Caumont à Aix-en-Provence et « Zones de fusion », à Châteauneuf-le-Rouge.

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Raoul Dufy, une exposition estivale joyeuse et colorée

L’hôtel de Caumont présente cet été « Raoul Dufy, l’ivresse de la couleur », une rétrospective des nombreuses techniques avec lesquelles l’artiste s’exprime : l’huile, l’aquarelle, le dessin, la gravure, la céramique, etc..

Né au Havre, à ses débuts Raoul Dufy (1877-1953) flirte avec les courants du moment. Ses sujets de prédilection sont alors les ports, les bateaux, les paysages côtiers, les baigneuses. A cette époque, il est plutôt influencé par l’impressionnisme.

Pendant un séjour à Martigues au début des années 1900, il peint de nombreuses toiles de la ville et de ses canaux. Suite à l’exposition Matisse du Salon d’Automne de 1905, il rejoint le groupe historique du fauvisme. Son leitmotiv : la lumière va passer par la couleur .

En 1907, lors de la rétrospective Cézanne, il décide de marcher dans ses pas et abandonne alors le fauvisme. 1908 marquera le début de sa période « cézannienne ». Plutôt habitué à peindre sous le bleu laiteux du ciel normand, Raoul Dufy part enrichir sa palette sous le soleil de Provence où il sera rejoint par Georges Braques. On perçoit très vite l’influence de Cézanne dans son travail. Dans ses paysages de L’Estaque, il s’affranchit des aplats pour créer des compositions en étagement, en plongée.

Quand il aborde la nature morte, il travaille alors par touches directionnelles et « cernage » au pinceau en noir. Sa gamme chromatique devient criarde, le style Dufy commence à poindre.

Toujours influencé par Cézanne, son dessin devient plus souple, notamment pendant son séjour à Hyères (1913). N’oublions pas que si Raoul Dufy est un grand coloriste, il est aussi un grand dessinateur. Mais il n’est pas un suiveur. Il est avant tout dans la modernité. Son œuvre « la Tour Blanche » (1913) marque le début de « la patte » de Dufy.

« Le jardin abandonné », représentant le Jardin des Plantes à Paris, est une pièce pivot de son travail. C’est moins le motif que les lignes, les volumes et leur imbrication qui motive l’œuvre.

Deux maîtres-mots : Couleur – Lumière

1919 - 1924. Que ce soit avec « Vence » ou « La jetée-promenade à Nice », l’artiste est déjà dans la simplification des formes, mettant la notion couleur/lumière en vedette, prémices de son nouveau style.

Dans son œuvre sur Nice il atteint la pleine maturité avec les couleurs vives de sa nouvelle palette et son retour aux aplats. En ajoutant le surlignage, il cherche à dissocier la couleur et le trait. Priorité encore à la couleur/lumière.

Nus et baigneuses dans l’atelier

Au 2^éme étage du musée, focus sur les sujets de prédilection de l’artiste :

« L’atelier du peintre » est un thème très apprécié du visiteur. Dans cet exercice, Raoul Dufy donne à voir son univers personnel. On l’imagine très bien en train de peindre, la fenêtre donnant sur le monde extérieur. Dans celui de Perpignan (entre 1940 et 1949), l’espace est baigné de soleil, inondé de teintes chaudes orangées, preuve de l’influence du climat méridional sur sa palette.

Et nous voici maintenant face à « La grande Baigneuse » (1914), qui trône en majesté. Impressionnante dans ses dimensions comme dans sa facture, elle est considérée comme le chef-d’œuvre de sa période cézannienne. A côté de cette œuvre monumentale, on peut apprécier la finesse d’une des études. Dans la même salle, une série de nus plus discrets habille le mur latéral.

Fleurs et bouquets champêtres

Pendant sa période fauve, Raoul Dufy a toujours montré un grand intérêt pour les fleurs. Déjà dessinateur de grande qualité, il excelle dans ces exercices de fioritures, d’arabesques, usant d’une palette aux nuances infinies. Dans les années 40, son environnement champêtre sera une source inépuisable d’inspiration.

« Le peintre a besoin d’avoir sans cesse sous les yeux une certaine qualité de lumière, un scintillement, une palpitation aérienne qui baigne ce qu’il voit »

L’exposition se termine par une animation vidéo autour de " La Fée Électricité ", une façon de rendre hommage au Musée d’Art Moderne de Paris pour ses nombreux prêts.

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Pour la suite de la journée, direction Châteauneuf-le-Rouge à une quinzaine de kilomètres d’Aix.

Le verre au service de l’Art Contemporain

ARTEUM Musée d’Art Contemporain a investi les salles du château pour l’exposition « Zones de fusion ». Christiane Courbon, directrice et commissaire d’exposition, a réuni un collectif de jeunes créateurs, tous issus des écoles d’Art, qui s’approprient les techniques traditionnelles et ancestrales du travail du verre.

Ces artistes verriers, par leurs recherches, leurs créations et leurs installations offrent une place de choix au verre dans l’Art Contemporain. Qu’ils le soufflent à la canne ou au chalumeau, le gravent ou le sablent, ils créent des œuvres d’art.

Le verre est certes fragile mais malléable et, avec ces pratiques réinventées, il offre une grande liberté de création et un large éventail de manipulations : accumulation, bris, dissolution, déformation, association à d’autres matériaux.

L’exposition se décline au fil de petites salles qui offrent à chaque artiste un espace dédié.

Pour eux, ce matériau fascinant devient un médium avec lequel ils peuvent exprimer leurs interrogations, leurs réflexions, leurs problématiques, voire leurs révoltes.

Voici un aperçu de certaines des œuvres exposées.

Arnaud Vasseux : Création avec la complicité d'un souffleur.

« Urne antique » en verre et autres formes réalisées en verre, remplies de plâtre photographique. Le plâtre gonfle, le verre éclate plus ou moins et laisse des traces.

On remarque que le verre est absent du résultat mais il fait totalement partie du processus de création. Teinté aux oxydes, le plâtre est marqué par l'empreinte et les fissures de l'enveloppe de verre avant qu'elle ne se brise.

Françoise Vergier

- « Dans ces eaux là » . Verre thermoformé sorti du moule encore mou ce qui donne une forme aléatoire. Maintenu par un support en bronze.

Sati Mougard

- « Mandragore » . Pâte de verre et cristal dichroïque. Sous la chaleur de la lampe à huile l’œuvre change de couleur

Ici, l’artiste utilise le verre pour parler de l’invisibilité de la femme en Inde. En effet, là-bas, le bas de son corps est considéré comme impur. Sati Mougard renverse la donne en mettant en évidence les pieds.

- « Le jour après la nuit ». Série de disques de verre plats, issus de la pratique même du soufflage. Dans son installation l’artiste aborde l’objet comme un Soleil, du lever au coucher. Les disques, de tailles différentes, disposés sur un monticule de sable symbolisent le Ciel et la Terre, et une vidéo met en scène l’Homme qui cherche son équilibre.

- « Butin ». Ces 3 œufs en verre font référence à " L'Œuf de Fabergé"  pour symboliser la préciosité de l’œuvre. L’artiste a fait entrer dedans des abeilles où ces petites ouvrières ont fait le minutieux  travail  d’architecture et de sculpture dont elles sont coutumières. Pour l'artiste, c'est sa façon de conserver, sauvegarder et respecter le travail des abeilles, d'en faire une sorte de reliquaire.

Bettina Samson

- « Série Contre jour ». Le travail de l’artiste consiste à graver, par sablage, dans l’épaisseur d’une plaque faite de plusieurs couches de verre de couleurs différentes. En quelque sorte, elle sculpte le verre.

Julie Balsaux

- " Infrangibles ". Dans cette œuvre, l’artiste exprime sa révolte, les pavés de mai 68 en étant le symbole. Réalisés en pâte de verre de différentes couleurs, ils renferment l’empreinte d’événements ou de situations qui engendrent sa colère : le sort réservé aux femmes dans de nombreux pays ; la noyade d'enfants migrants au large de Lesbos, etc. Le socle, qu’elle appelle "sa Tour de Babel", est fait de miroirs qui intègrent le visiteur dans l’œuvre.

- "Vulvéa". L'œuvre , en pâte de verre, est une pièce de provocation. Poussant le bouchon encore plus loin, Julie Balsaux présente son œuvre dans le noir où elle devient luminaire, avec à côté un gel hydroalcoolique pour inviter le visiteur à la toucher. C'est aussi une façon de polir le verre...

- "Pussy Riot". Œuvre créée en hommage au mouvement féministe punk russe durement réprimé et condamné en 2012.

Et voici la fin de cette belle journée de découverte. Le groupe de la MAC’A a eu la chance de rencontrer deux des artistes, Julie Balsaux et Sati Mougard, ce qui a rendu la visite encore plus passionnante. Cette très belle exposition inédite se terminant le 9 juillet, ALLEZ-Y VITE !

A bientôt !

Deux jours en visite sur la Côte d’Azur 

1^er jour : Roquebrune Cap-Martin

Cette escapade, organisée pour les adhérents de la MAC’A, a commencé par une destination de choix : Cap Moderne à Roquebrune Cap-Martin.

Pour cette visite exceptionnelle, une médiatrice attendait le groupe à la gare du Cabbé pour rejoindre le lieu-dit « La maison en bord de mer », également nommée villa E1027.

Le site « Cap Moderne » regroupe 4 lieux indissociables : le bar/restaurant « L’Étoile de mer » ; « Le Cabanon » de Le Corbusier  ; « Les Unités de camping » ; et enfin, clou de la visite, la villa E1027(*).

1 - L’Étoile de mer

A l’origine un plombier de Nice, Thomas Rebutato, avait un modeste projet de cabane, située au-dessus de la villa, où entreposer son matériel de pêche et cuisiner ses prises de mer. Un architecte lui propose le plan d’un cabanon de 9,10 x 3,50 m, composé d’une chambre, d’un WC, d’un salon avec pergola plein sud et d’une entrée au nord. C’est cette cabane qu’il construira en 1949, en y ajoutant une cuisine en plein air au nord. Il veut crée un lieu « casse-croûte » pour attirer les touristes et les campeurs.

Lors d’un de ses séjours à la villa E1027, Le Corbusier sera un de ses premiers clients. Il  reviendra à Roquebrune à plusieurs reprises et c’est alors qu’il mûrira son propre projet de cabanon, appuyé sur « L’Étoile de mer » à l’est. Quelques copies de peintures de Le Corbusier ornent les murs du restaurant et, dans le bar, T. Rebutato a réalisé une série de fresques ésotériques.

2 - Le Cabanon de Le Corbusier

Il est construit en 1952 pour sa femme, Yvonne, qui a du mal à se déplacer Ses dimensions – 3,66 x 3,66 m – reposent sur l’échelle du Modulor. Il disait lui-même que « c’est une œuvre minimaliste, la quintessence de toutes mes constructions ».

Un carré parfait, subdivisé en 4 rectangles, toujours dans le respect du nombre d’or. A l’intérieur, tout est fonctionnel, s’emboîte, s’encastre au millimètre près. Tout le cabanon est fait en bois de châtaignier venu spécialement de Corse. Une superbe table désaxée et marquetée ne sert à rien d’autre qu’à l’Art. Les volets/miroirs, avec des peintures au verso, renvoient la lumière et protègent de la chaleur. Seules touches de couleurs : les plafonds et une peinture du maître des lieux dans l’entrée.

Le Corbusier ne souhaitait pas en faire une réelle  habitation, seulement un endroit pour dormir. Pour les repas et les relations sociales, « l’Étoile de mer » est là, juste à côté. Même la douche se prend en extérieur, sous le caroubier plusieurs fois centenaire.

3 - Les Unités camping

A l’ouest de « L’Étoile de mer », une construction regroupe « Les Unités de camping ». Conçues et financées par Le Corbusier qui y pensait depuis 1954, elles n'ont pu être réalisées qu’en 1956.

C’est une enfilade de 5 chambres en bois très coloré, façon Mondrian, montées sur des pilotis en béton, en surplomb de la terrasse en contre-bas. Une construction qui offre, côté sud sous les chambres, un bel espace de vie en plein air pour la restauration, le travail et autres activités domestiques.

Les chambres de 9 m² sont, comme toujours, très bien agencées et fonctionnelles. Aucun espace perdu. Elles sont équipées d’un petit lavabo, de rangements en cloison ou sous le lit et d’étagères. Les meubles et les murs sont en bois brut, les plafonds très colorés.

Aujourd’hui « Les Unités de camping » accueillent des artistes en résidence.

Et à l’origine de tout cela,

4 - La Villa E 1027

Eileen Gray, née en 1878 en Irlande, était réputée comme designer/ensemblier. En 1923, elle rencontre l’architecte roumain Jean Badovici avec lequel elle se lie d’une solide amitié qui durera jusqu’à la mort de celui-ci en 1956. Influencés par Le Corbusier, l’architecte et la designeuse évolueront de l’Art déco au Modernisme.

En 1926, sur le terrain acheté à Roquebrune Cap Martin par Jean Badovici, elle conçoit, pour ce dernier  « Une villa pour un homme jeune qui aime son travail, les sports et recevoir ses amis ».

Construite en léger décalage de l’alignement des terrasses surplombant la mer, la villa ressemble à un navire amiral. C’est ce que recherchait Eileen Gray, cette sensation de protection que l’on a à bord d’un navire alliée à l’impression de liberté de circulation sur les ponts. D’ailleurs, nombres d’aménagements intérieurs font immanquablement penser à un bateau : petite porte ovale comme dans une coursive ; rangements escamotables ; cloisons modulables, etc. Comme sur un bateau, le moindre espace est optimisé.

Clin d’œil encore à la navigation, ce tapis bleu aux vagues stylisées qu’elle a conçu pour le salon, et la bouée de sauvetage accrochée à la balustrade.

De l’extérieur, on remarque vite les volets coulissants qui permettent de moduler, à volonté, l’ombre et donc la fraîcheur dans la maison. Eileen Gray disait que « des fenêtres sans volets sont comme des yeux sans paupières ».

Ici, au-delà de la fonctionnalité, esthétique et modernisme sont les maîtres-mots. Aujourd’hui que la villa a été restaurée, tout est tel que l’artiste l’avait conçu à l’origine : la boite aux lettres en cuir Hermès ; le filtre à eau dans la cuisine ; les prises, thermomètres et autres interrupteurs ; jusqu’au réseau de fils électriques apparents qui ornent et cheminent en haut des murs. A l’époque, Le Corbusier dira : « la villa est une œuvre d’art total ».

Une fois passées l’entrée et la cuisine, pour rejoindre la salle de séjour on traverse un sas avec une fresque de Le Corbusier. Dans le petit salon à l’est, encore une de ses peintures. Sur le balcon plein sud, des toiles tendues cadrent le paysage devant les fenêtres-paravents qui permettent une ouverture complète.

Aujourd’hui, la villa est entièrement meublée de copies ou rééditions du mobilier iconique conçu par Eileen Gray. On y voit, entre autres, le fauteuil Bibendum, le transat en cuir, la petite table de lit, le meuble aux tiroirs pivotants, la table gramophone, une grande carte au mur « Invitation au voyage » et les tapis qu’elle a dessinés, etc.

Jusqu’en 2017, sur le mur ouest, une peinture aux teintes vives réalisée par Le Corbusier, probablement sans l’accord d’Eileen Gray, perturbait l'ambiance recherchée. Depuis, elle a été masquée derrière un paravent mobile en bois blanc. Ainsi, l'harmonie de la pièce voulue par la conceptrice est respectée.

Au rez-de-chaussée haut, la chambre principale avec son coin toilette a été complètement restaurée et les meubles et textiles reconstitués. La salle de bain est étonnante de luminosité, avec sa porte coulissante, son grand miroir vertical et son puits de lumière au-dessus de la baignoire habillée d’aluminium.

Au rez-de-chaussée bas, la terrasse sous les pilotis mène vers la chambre d’amis. Encore un espace intime, fonctionnel, équipé d’un grand placard – seule pièce d’origine existant encore - , d’un lavabo au miroir « Satellite » avec lampe intégrée et divers meubles/rangements modulables. Face au secrétaire entre les deux fenêtres, trône encore une peinture de Le Corbusier.

Eileen Gray avait un sens pratique très développé, combiné à un sens aigu de l’esthétique d’où l’humour n’est pas absent. Ici, tout est beau, fonctionnel, délicat, dissimulé, escamotable. Le moindre détail de décoration et d’agencement est empreint de subtilité, d’intimité et d’un sens du pratique tout à fait féminin.

A la mort de Jean Badovici en 1956, Le Corbusier s’occupera de la vente de la villa à une amie suisse qui aura la mauvaise idée d’en faire don à son psychiatre. Celui-ci dépouillera la maison de tout son mobilier et des aménagements. Il y sera assassiné en 1996 et, laissée à l’abandon, la villa sera squattée et vandalisée.

En 1999 elle est rachetée par le Conservatoire du Littoral. Depuis 2018, après restauration et reconstitution, tout le site est désormais géré par le Centre des Monuments Nationaux, pour le plus grand bonheur des visiteurs.

(*) L’énigme du nom E 1027:

E pour Eileen, 10 pour le J de Jean (10^éme lettre), 2 pour le B de Badovoci (2^éme lettre), 7 pour le G de Gray (7^éme lettre).

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Le 2^éme jour de visite fera l'objet d'un prochain article.

A bientôt !

Une double visite à la Collection Lambert pour la MAC’A

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En ouverture : « Rayon fossile », d’Abdelkader Benchamma

Pour cette première sortie de l’année, les retrouvailles avec l’œuvre d’Abdelkader Benchamma étaient empreintes d’une certaine fierté pour la MAC’A.  Pour mémoire, à son exposition de 2008 elle avait sélectionné de jeunes diplômés des écoles d’art du Sud dont il était. Et depuis il en a parcouru du chemin ce jeune artiste timide. Il a rencontré de beaux succès, nationaux et internationaux, de la biennale de Venise au Drawing Center à New-york en passant, entre autres, par Paris, Bruxelles, Doha et la villa Médicis à Rome.

Toujours fidèle au dessin qu’il réalise au stylo noir, à l’encre de chine ou au fusain, il varie ses approches, privilégiant parfois un trait minutieux d’une grande maîtrise, réalisé à main levée. D’autres fois il use de gestes amples et généreux pour franchir les limites du cadre et déborder sur les murs. Quand on lui demande comment il réagit au fait que ses œuvres murales seront recouvertes à la fin, il reconnaît que ça n’est pas toujours facile à accepter mais que c’est un choix. Et pour ne pas se focaliser dessus, il se tourne le plus vite possible sur le projet suivant.

Dans sa démarche, Abdelkader Benchamma cherche à créer, chez le visiteur, un trouble de la perception pour l’amener vers une nouvelle façon de penser l’espace, le temps et la vision. Il propose de nouveaux paysages mentaux et ouvre le champ des possibles. Pour ce faire, il pioche dans sa précieuse collection d’images, anciennes ou récentes, sur les sciences occultes, les comètes, le paranormal, l’ésotérisme, etc., toujours en décalage avec le réel.

Mémoire, empreinte, fossile

Avec « Rayon fossile », il poursuit ses recherches sur le dessin empreinte, créant une mémoire d’images fossilisées qui entraînent le visiteur vers le passé, l’avenir, voire la fiction. Son choix du noir sur fond blanc lui permet de mieux exprimer l’imaginaire, l’abstrait et de rester dans un champ de force, « dans la thermodynamique » comme il aime à dire.

Le parcours de la visite est tracé pour imprimer un rythme au visiteur, pour qu’à chaque salle il ait le sentiment de pénétrer dans un nouveau monde. La mise en scène très structurée de la première salle, intitulée « Sculptures », regroupe une série d’œuvres monolithiques inspirées par le premier choc esthétique de l’artiste devant le monolithe noir de « 2001 Odyssée de l’espace » de S. Kubrick. Les œuvres, accrochées à une soixantaine de cm du sol, sont comme des sculptures sur leur socle.

Délires cosmiques

Dans la deuxième salle, on entre dans le dessin fiction. Ça explose de toutes parts, ça jaillie sur les murs. L’artiste trace dans l’espace des courants tumultueux, des tourbillons, alternant les aplats noir avec des strates très ciselées, qui donnent à imaginer des apparitions célestes, des éclairs, des lueurs, des tempêtes. Ses œuvres sont toujours dans le mouvement, dans le flux.

Pour son plus grand bonheur, le visiteur se laisse entraîner dans ces délires cosmiques jusqu’au bout du cheminement, atteignant l’apothéose au seuil de la dernière salle.

Abdelkader Benchamma aime réaliser ses grands dessins muraux qu’il dit vivre comme une sorte de combat. Il y dépense beaucoup d’énergie. Rien à voir avec son travail en atelier. Ici, pas de repentir possible, pas de retour en arrière. Le geste doit être sûr, pur.

Il est resté 3 semaines en résidence à la Collection Lambert pour réaliser cette superbe exposition qui occupe tout le rez-de-chaussée de l’hôtel de Montfaucon. Il apprécie énormément ce travail en équipe et le lien qui se crée le temps de la performance jusqu’à la fin de l’exposition.

(clôture le 20 février)

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Pour la suite :

« L’intraitable beauté de nos vies sauvages »

de Stéphanie Brossard

Stéphanie Brossard a également passé 3 semaines en résidence à la Collection Lambert dans le cadre du programme « RENDEZ-VOUS, sous-sol* », destiné à exposer des artistes émergents.

Par ses installations, cette jeune artiste avignonnaise, originaire de la Réunion, illustre les notions de territoire, de déplacement. Elle raconte, à sa façon, les mouvements de la terre, les événements climatiques, géologiques et les perturbations spécifiques à son île natale.

Dés la 1^ére salle le visiteur est plongé dans ce qui fait le quotidien des insulaires, à savoir les tremblements de terre et le chaos qui s’en suit. Pour représenter ces catastrophes naturelles, l’artiste a installé sur un grande table reliée à un système d’enregistrement des séismes dans le monde, un monticule de terre de Roussillon qui s’effondre à chaque fois qu’une secousse est enregistrée. Dans le reste de la salle sont disposés de façon aléatoire des morceaux de plaques de marbre, figurant comme un espace de recueillement après le sinistre, dans lequel le visiteur peut déambuler.

D'un territoire l'autre

Dans la salle suivante, la notion de déplacement est au cœur de l’installation, symbolisé par des pierres de notre région disposées sur des planches à roulettes. Au FRAC Réunion 2020 où Stéphanie Brossard a déjà exposée, elle avait utilisé bien sûr des pierres de là-bas. D’un territoire l’autre, comme ses allers-retours entre Avignon et son île.

La visite se termine dans un espace où trône une baignoire qui se remplit ou se vide en fonction des différents cyclones sur la planète. Cette mise en scène est pure illustration d’un souvenir d’enfance de l’artiste. Petite, quand elle voyait sa mère remplir la baignoire d’eau potable elle devinait une alerte cyclone.

Souvenir encore que celui du père, soucieux de la solidité de la maison face aux catastrophes, avec ces parpaings empilés les uns sur les autres qui servent ici de socle à de petits objets.

Souvenir toujours, en référence peut-être aux boukans (les cabanons où s’entassent plein de babioles), ces fleurs séchées, ces petits bijoux en verre, ces bibelots, ces flacons remplis d’eau de l’océan etc., le tout mis en valeur sur les parpaings. On se croirait dans un cabinet de curiosités.

Dans ce qu’elle nous donne à voir, on sent bien que cette jeune artiste est tiraillée entre deux mondes. Certes, aujourd’hui elle est ici mais elle est encore beaucoup là-bas. Son passé, sa nostalgie, l’histoire de son île la remplissent, ce qui alimente avec bonheur sa créativité et participe probablement à son équilibre.

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Rencontre artistique à la Fondation Matias Huart

Pour clore cette sortie culturelle, les adhérents de la MAC’A avait rendez-vous avec Susanna Lehtinen dans la galerie de Matias Huart, rue de l’Olivier à Avignon.

« Arte è una cosa mentale » 

Pour le propriétaire de cet espace, la phrase de Léonard de Vinci s’inscrit plus que jamais dans notre siècle. Dessiner c’est penser, comme une devise de la fondation. Matias Huart, artiste lui-même, présente ses œuvres au côté de celles d’artistes invités dont le travail est toujours en cohérence avec le sien.

Les dessins à l’ordinateur de Susanna Lehtinen sont tout à fait représentatifs d’une réflexion et d’un travail mental intense avant réalisation. Pour cela, elle souscrit totalement à la pensée de Vinci.

La créativité de cette artiste finlandaise est multiforme. Elle crée aussi bien des œuvres classiques, numériques ou des dessins à l’encre, parfois en écho à ceux de son hôte.

Certaines d’entre elles semblent inspirées des aurores boréales. Elle passe du noir du dessin à des formes pastelle très diffuses, évanescentes. Elle parle alors « d’atopie, ce flou improbable qui entoure l’objet en peinture. Il s’agit d’une rencontre, d’une humeur, d’une poussière d’émotion », citant Cézanne. Elle travaille beaucoup sur la lumière ou simplement son reflet, ses contours.

Quant à ses dessins numériques, seul l’outil informatique lui permet les agencements aléatoires, la traduction visuelle des ondes audio et les répétitions de motifs qui représentent l’immatériel et les vibrations intimes.

A bientôt !

La MAC’A à la découverte de LUMA Arles

Pour la reprise de ses sorties, la MAC’A a proposé à ses adhérents une destination de choix : la Fondation LUMA, à Arles.

Ils étaient dix-sept à se rejoindre au pied de la Tour LUMA, ce samedi 25 septembre, où les attendaient une jeune médiatrice, Clara, pour une visite guidée de près de 3 heures.

Située sur le site des anciens ateliers de la SNCF, LUMA  Arles - créée à l’initiative de Maja Hoffmann - comprend La Tour à facettes en acier inoxydable de 56m de haut imaginée par Frank Gehry et les jardins paysagers, où les bâtiments des anciens ateliers accueillent les expositions temporaires.

La Tour, comme les jardins, privilégient l’ancrage local, s’inspirant de ses particularités : le Sud, le soleil, le Mistral, la Camargue, les salins, les Alpilles, la végétation, voire même ses artistes.

Au-delà de l’architecture caractéristique de Frank Gehry, la Tour à la façade torsadée est à elle seule une véritable œuvre d’art. Faite de briques en inox, la structure joue constamment avec les variations de lumière du ciel. De plus, par le choix des matériaux locaux utilisés et des techniques mises en œuvre, elle s’inscrit dans la transition écologique, économique et sociale.

On pénètre dans le bâtiment par le Drum (la rotonde), circulaire et en verre, inspiré des arènes.

Autour des ascenseurs, les murs sont recouverts de plaques de cristaux de sel de Camargue, de nuances variables selon la concentration en micro-algues.

Dans le restaurant, le "Drum café", les murs, réalisés façon liège, sont faits de moelle de tournesol teintée de vert par des pigments de diverses plantes locales. Fibres sèches de tournesol et laine de mérinos pour l’immense tapisserie du mur de gauche, représentant des tournesols, référence bien sûr à la présence de Van Gogh en Arles. Le tout servant d’écrin à un aménagement très design.

La structure extérieure en béton préfabriqué, sur laquelle s’appuie la Tour, reconstitue la pierre dorée de Fontvieille, et donne ainsi à l’édifice un aspect minéral proche des blocs rocheux des Alpilles, notamment le Val d’enfer.

D’un étage à l’autre

Au cœur de la Tour, un escalier monumental à double révolution monte, sur 2 étages, jusqu’à un miroir circulaire fixé de biais au plafond, qui tourne lentement sur son axe, créant un effet déstabilisant pour le visiteur, tout en l’intégrant dans l’œuvre elle-même.

Au niveau 2, un toboggan métallique fermé permet de dévaler jusqu’en bas, « une sculpture à l’intérieur de laquelle on peut voyager », selon Carsten Holler, son concepteur. Évidemment, à chaque fois qu’un visiteur s’y essaie, enfant ou adulte, ce sont des cris de joie, de frayeur, en tous cas d’émotions fortes, qui résonnent dans tout l’espace.

Quant aux jardins paysagers, ils ont été créés de toute pièce sur l’immense dalle de béton du site. Bas Smets, l’architecte paysagiste, l’a transformée en un parc luxuriant : refonte complète de la topographie par apport de terre fertile ; plantation de différentes espèces méditerranéennes ; prise en compte des variations climatiques, tel le Mistral qui, à la longue, sculpte un paysage semblable à une dune. La création de l’étang et l’apport d’une abondante végétation produit un micro-climat qui a transformé ce désert de béton en parc public foisonnant.

Et enfin, dans les anciens ateliers – les Forges, la Mécanique générale, la grande Halle – on peut voir les expositions, vidéo et/ou réalisations temporaires de divers artistes tel, actuellement, Ian Cheng, Pierre Huygues, Sophia Al Maria et autres. Et ça n’est que le début.

Bien sûr, cette première approche de ce temple de l’art contemporain est à renouveler encore et encore, à l’occasion d’autres expositions temporaires, notamment. Affaire à suivre, donc.

Une date à retenir : samedi 30 Octobre 2021.

La MAC'A propose une visite de l' exposition SOL !, proposée à la Panacée MO.CO. Montpellier et de découvrir l'atelier d'une artiste récemment installée sur Montpellier, Ursula Caruel - site web: www.ursulacaruel.com 

Une fiche descriptive sera envoyée prochainement à tous les adhérents.

A bientôt ! 

La seconde sortie organisée le 9 février 2013 par la MAC'A, a conduit un groupe nombreux à Aix en Provence à la découverte des expositions proposées dès ce début d'année.

Le parcours a débuté par la visite de "Agnès Varda en Bouches-du-Rhône" à la Galerie du Conseil Général, cours Mirabeau.

Dès l'arrivée sur le cours, l'atmosphère est installée grâce à Yayoi Kusama et son"Ascension des pois sur les arbres"  - "Ascension of Polka Dots on Trees" :

dans le cadre de "L'ART-À-L'ENDROIT" - parcours contemporain dans la ville.

Jusqu'au 17 mars Agnès Varda "nous donne à voir ses Bouches-du-Rhône. L’exposition comprend vidéos, films, photos, dont un reportage sur Marseille effectué en 1956." sur la terrasse de la cité radieuse,

Agnès Varda propose sa vision des Bouches du Rhône, l'embouchure vers la mer, dans la vidéo d'accueil,  les quartiers de Marseille aux noms évocateurs et leurs habitants en portraits de groupe.  Une "aventure photographique" qu'elle partage avec nous.

Nous restons sur le pourtour méditerranéen avec l'exposition "Cadavre exquis",

jusqu'au 13 avril au Musée Granet,

Comme dans ce jeu du dessin collectif inventé par les surréalistes; 15 artistes invités confrontent leurs oeuvres, leurs parcours,

Les artistes invités : Algérie, Nourredine Ferroukhi / Chypre, Lia Lapithi / Egypte, Moataz Nasr / Espagne, Carmen Calvo / Grèce, Ilias Poulos et Georgia Spiropoulos / Israël, Sigalit Landau / Italie, Fabrizio Corneli / Liban,  Marwan Rechmaoui / Maroc, Bouchra Ouizguen / Palestine, Sharif Waked / Syrie, Diana Al-Hadid / Tunisie, Abdelwahab Meddeb / Turquie, Orhan Pamuk. Le français Philippe Favier, auquel le musée Granet a consacré en 2012 l’exposition «  Corpuscules  », est l’artiste initiateur de cette chaîne de créations. 

De la diversité culturelle et esthétique nait une exposition qui se "voyage" d'une salle l'autre.

"I feel, you feel, we feel through each other, into our selves" - Ugo Rondinone
Un olivier d'aluminium laqué, place Saint Jean de Malte,devant l'église du même nom et l'entrée du musée Granet. "L'ART-À-L'ENDROIT"

Autre exposition, dans l'Office de Tourisme :

"PAPert'ART Project :PAPier Design & Recup".

Les œuvres de 6 artistes internationaux et français seront présentés  :
- Anita BRENDGENS, ALLEMAGNE,
- Inci KANSU, CHYPRE ,
- META 2 (Aurélie MASSET & Malik Ben Messaoud ), FRANCE (Marseille)
- Hélène TSCHACHER, ALLEMAGNE
- Simge UYGUR, CHYPRE
- Groupes d'élèves de l’IPSAA ESDAC, FRANCE (Aix-en-Provence)

"La Tendance Papier s'installe partout dans nos intérieurs et dans nos villes : matériau en perpétuelle évolution, écologique et économique à la fois et beaucoup plus résistant qu'on ne le suppose, il se prête à une infinie diversité de traitements : le papier se plie, se colle, se coud, se tresse, se froisse... Plus encore, le papier recyclé devient un matériau de multiples objets fonctionnels ou poétiques..."

Meubles en papier, Meta 2 - Office de Tourisme ; "cage de fer personnelle" de Sofia Taboas- Cour d'appel ; "Le Monument " Xavier Beilhan - cour de l'Hôtel de Ville.

. "L'ART-À-L'ENDROIT"  :

Un parcours d’art contemporain à Aix-en-Provence -12 janvier au 17 février

Artistes : Marc-Camille Chaimowicz, Mark Handforth, Thomas Houseago, Rachel Feinstein, Kimsooja, Yayoi Kusama, Jorge Pardo, Huang Yong Ping, Ugo Rondinone, Sofia Taboas, Xavier Veilhan, Franz West. Commissariat : Xavier Douroux.