Voici venu le moment de notre rendez-vous mensuel avec trois chroniques.

- Dans le rétroviseur  C'est un regard sur les expositions réalisées par la MAC'A à partir de 1995 jusqu'à nos jours.

- Le livre du mois  La MAC'A vous propose, chaque mois, de découvrir un livre sur l'art contemporain : un documentaire pour en apprendre plus ou un roman pour vivre plus fort... !

- La vidéo il  vous suffit de cliquer sur le lien proposé pour découvrir une visite virtuelle d'art contemporain. 

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DANS LE RETROVISEUR

l'exposition de l'année 2014

Image par images

Le rendez-vous annuel au Cloître Saint Louis en mars 2014 

L’exposition annuelle vise à mettre à l’honneur des artistes qui revêtent un caractère innovant, original et contemporain et à créer une rencontre avec le public.

En 2014, le choix de l’association se porte sur un artiste particulièrement singulier, d’une part dans son médium artistique, l’animation, d’autre part dans son inspiration : Sébastien Fau à qui la MAC’A a donné carte blanche pour une exposition monographique : Image par images.

Le comité de sélection a particulièrement apprécié la qualité de sa pratique artistique mais a également été conquis par le caractère tout à fait « artisanal » de son travail ; Sébastien Fau n’utilise pas l’outil numérique pour créer des images mais les techniques traditionnelles de dessin, peinture, collage, sculptures, alors que dans son domaine, le recours à la technologie numérique est généralisé. La grande vitalité et le caractère « pluriel » de l’artiste a conduit l’association à envisager une exposition personnelle. L’édition 2014 sera donc une exposition rétrospective dont fera partie : Rendre le souffle, œuvre récemment acquise par la commune de résidence de l’artiste, Rochefort du Gard, dans le cadre du 1% artistique.

Images extraites du film d'animation "Rendre le souffle"

Sébastien Fau un artiste protéiforme entre la technologie et la plume

Sébastien Fau est un artiste protéiforme dont le terrain de jeu est infini. Pétri de créativité, son parcours l’a naturellement dirigé vers les arts plastiques. Après une formation aux Arts Décoratifs de Strasbourg, il a fait les Beaux Arts à Saint Étienne, Marseille et Bristol. Il a commencé par la peinture et le dessin, cependant il lui manquait une dimension pour s’exprimer. Il s’est alors tourné vers l’animation et semble avoir trouvé sa voie dans les images animées. D’une originalité et d’un talent certains, Sébastien Fau a rapidement percé dans le métier et travaille sur des productions d’envergure durant lesquelles il apprend beaucoup des rencontres avec les professionnels de la télévision et des médias.

Le stop motion

Sébastien Fau utilise la technique du dessin animé (stop motion) pour insuffler le mouvement à ses œuvres et leur donner une vie propre à travers ses films.

Le plus ancien film d’animation en volume connu est Les allumettes animées d’Émile Cohl en 1908.

"Le concept est proche de celui du dessin animé : une scène (en général constituée d’objets) est filmée à l’aide d’une caméra capable de ne prendre qu’une seule image à la fois (c’est une photographie sur pellicule de film). Entre chaque image, les objets de la scène sont légèrement déplacés. Lorsque le film est projeté à une vitesse normale, la scène semble animée. On bouge un peu le sujet lors de la prise de vue, dans la direction du mouvement que l’on veut représenter : c’est le go motion." source Wikipédia

De nos jours, cette technique a tendance à être remplacée par l’animation 3 D parce qu’elle est très contraignante. Sébastien Fau reproche à la 3 D sa froideur et ne travaille que par la technique image par image à partir d’œuvres plastiques.

De l’œuvre plastique au film à l’œuvre plastique : l’exposition Image par images

Dans sa pratique habituelle de l’animation, l’artiste crée des dessins, peintures ou sculptures qui servent de supports aux films. La technique utilisée implique la destruction de l’œuvre plastique à des fins audiovisuelles. C’est ce processus fatal que l’artiste tente d’enrayer et c’est bien le propos de cette exposition: offrir au regard à la fois des films d’animation et des œuvres plastiques, non pas comme des outils servant de décors aux films mais plutôt comme un prolongement de l’œuvre audiovisuelle, à moins que le film soit le prolongement des œuvres plastiques.

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LE LIVRE DU MOIS

Décoder l’art contemporain / Natalie Rudd

Flammarion, 2023.- 176 p.- 14,90 €

« Le monde de l'art contemporain peut paraître extrêmement déconcertant : d'énormes sommes d'argent, une liste infinie d'artistes à l'échelle mondiale et une gamme illimitée de formes et d'approches. Comment s'y retrouver dans tout cela ?

Ce guide vous y aide en abordant certaines des grandes questions qui animent le monde de l'art : comment en est-on arrivé là ? Quelles sont les règles du jeu ? Que font les artistes toute la journée ? Où trouvent-ils leur inspiration ? Quelles sont les histoires qu'ils racontent et comment ces histoires reflètent-elles notre société contemporaine ?

À travers une contextualisation des importants héritages du XX^e siècle qui ont influencé la pratique récente et des analyses d'oeuvres issues du monde entier, cet ouvrage vous emmènera dans l'esprit des artistes : un outil parfait pour apprendre à s'amuser avec l'art contemporain » (4^ème de couverture).

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LA VIDEO

Le sculpteur Jean-Michel Othoniel, connu pour ses larges perles en verre, a eu carte blanche au Petit Palais. Avec l'exposition le "Théorème de Narcisse", il fait dialoguer ses œuvres miroitantes avec l'architecture du musée : un parcours merveilleux qui nous entraîne de l'Eden jusqu'aux Enfers.

A bientôt !

Plus que quelques jours avant la clôture de l'exposition Emergence.

En quelques images, nous vous invitons à venir découvrir ou revoir les cinq  artistes qui ont investi le Cloître St Louis durant ce mois de mars. 

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Les travaux des élèves d'Aubanel

Comme chaque année, la MAC’A propose à un ou plusieurs artistes d’animer un atelier avec les élèves de l’option Arts Plastiques du lycée Aubanel d’Avignon. Pour l’exposition «Émergence », deux ont répondu avec enthousiasme à la proposition, Paul Rousseau et Cyprien Schaffner, qui ont eux-mêmes étudié au lycée Aubanel.

Les plus beaux travaux sont exposés au Cloître St Louis durant l’exposition.

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La fresque de l'artiste Romain Lortal, réalisée in situ le samedi 4 mars après-midi, va être offerte à la ville d'Avignon en reconnaissance du soutien qu'elle  témoigne à notre association.

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De nombreuses personnes ont été intriguées par les sculptures de Paul Rousseau. L'artiste sera présent le samedi 25 et le dimanche 26 mars pour vous en parler...

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Cyprien Schaffner sera également présent samedi 25 et dimanche 26 mars pour accueillir les visiteurs au dernier étage du Cloître St Louis. 

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Qu'elles soient en noir et blanc ou en couleur, les photos de Pablo  Rigaut-Beligand remportent un vif succès. Vous pouvez les voir au 1er étage du Cloître St Louis.

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L'installation réalisée en début de mois par l'artiste Kent Robinson a été traversée par plusieurs visiteurs, en toute innocence. Elle a encore beaucoup d'allure, même si certaines phrases se sont peu à peu effacées. 

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Dimanche 26 mars, nous vous donnons rendez-vous à 14h30 pour une dernière visite guidée de l'exposition qui sera suivie à 16h d'une clôture contée par Monique Lefèbvre accompagnée de nombreux complices.

A bientôt !

Avec son exposition « Émergence », la Maison des Arts Contemporains d’Avignon investira l’Espace du Cloître Saint-Louis à Avignon. Pour cette 28^e édition, fidèle à son rôle de révélatrice de talents, l’association met en lumière de jeunes artistes, tous du Sud de la France.

Ils seront cinq à exposer leurs œuvres sur les trois niveaux de ce lieu prestigieux :

Romain Lortal – Toulouse

Pablo Rigault-Béligand – Marseille

Kent Robinson – Marseille

Paul Rousseau – Montpellier

Cyprien Schaffner – Marseille

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Romain LORTAL
Oblique

Artiste urbain contemporain
Vit et travaille à Toulouse

De formation universitaire en communication et en arts appliqués, il œuvre depuis plus de vingt ans dans le graffiti et le street art. Aujourd’hui il crée des compositions abstraites issues du courant « post-graffiti ».

Il reconnaît que la recherche minimaliste l’a conduit à affiner son geste. Son travail gagne en fluidité et devient ludique par le dynamisme et le choix des couleurs qu’il propose.

Au fil des années, son travail a évolué, de la bombe au pinceau, des murs aux toiles, avec un style qui s’est affiné. Son travail est une quête de formes et de lignes en mouvement, avec au cœur de l’œuvre, un mot. Un mot qu’on ne lit pas, mais qui sert de point de départ de toutes ses compositions.

Ode anonyme à la célébration du « blase » dans le gra­ff, le tag est devenu forme, la lettre s’est faite courbe pour envisager les formes les plus simples. La signature devient œuvre.

Certains disent qu’en poussant les portes des expositions il est rentré dans le cadre. Mais aujourd’hui il crée aussi bien en petit format qu’en fresque géante, créant ainsi des émotions différentes. Mais qu’on se rassure : Oblique n’a pas vendu son âme, il a juste pris une diagonale…, d’où son pseudo.

Il a à son actif de nombreuses réalisations artistiques à Toulouse et son agglomération : fresques murales, œuvres collectives, travail sur toiles et supports urbains.

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Pablo RIGAULT-BÉLIGAND

Photographie

Vit et travaille à Marseille

Après un CAP d’Arts et Techniques du verre, Pablo Rigault-Béligand part en voyage, appareil photo en bandoulière. Il a déjà la photographie et l’art contemporain dans l’objectif. C’est lors de ses itinérances dans le Sud qu’il réalise sa première série de photos abstraites.

Ensuite, une formation de restaurateur de vitraux l’amènera à travailler sur la forme, la couleur, la lumière, le dessin, ce qui nourrira son art photographique. Il s’intéresse de plus en plus à la photographie contemporaine, et particulièrement au mouvement du « Less is more »

Dans la série de clichés qu’il nous propose ici, sa recherche est très graphique et architecturale. Il joue avec les couleurs, les textures, les ombres, les lignes. Tout ceci est très construit.

Il raconte que lors de ses déambulations dans la ville, il est aux aguets, observe et capture le moindre changement de lumière, le moindre frémissement de l’ombre. « J‘aime ces endroits où apparemment rien ne se passe. C’est là que ma sensibilité artistique se développe ».

Aujourd’hui, il conçoit la photographie dans une démarche plus narrative, gardant de ses approches précédentes et de sa pratique du vitrail un certain sens de la composition. Sa recherche photographique actuelle est une étude du territoire de Marseille qu’il entreprend à la manière des psycho-géographes, inspiré par le courant littéraire et artistique des déambulations.

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Kent Robinson

Dessin, lettres, calligraphie, vidéo, installations

Vit et travaille à Marseille.

Artiste plasticien, graphiste et sérigraphiste.

Formation à l’École Supérieure d’Arts d’Aix en Provence.

Kent utilise le langage comme matière, la langue comme médium, les gestes et outils d’écriture lui permettant d’illustrer ses idées.

Il exprime son art par le dessin, la vidéo et autres techniques d’impression.

Pour lui, le langage est physique, une matière souple, palpable, utilisable par tous et en toute liberté.

Chaque langue devient universelle quand elle sert à jouer, à composer des poèmes ou à réinventer la grammaire.

Il invente des protocoles d’écriture particuliers, un alphabet hybride et revisite la calligraphie.

Quand il crée des écritures graphiques et des alphabets hybrides - le Cyrillatin par exemple -, c’est toujours au service d’une poésie singulière.

Il joue avec les signes, les lettres, les phrases pour dessiner des paysages célestes : nuages, nuées d’étourneaux, etc.

Dans ses installations comme l’extrait de « Prayers » qu’il nous propose ici, Kent convie le visiteur à découvrir l’intime forme de la prière à travers la langue maternelle de chacun.

A l’automne 2022, il était en résidence en Estonie pour poursuivre ses recherches et échanger sur son travail.

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Paul ROUSSEAU

Dessin, volumes, installations

Réside et étudie à Montpellier

Graphiste de formation, aujourd'hui en 5^e année aux Beaux-Arts de Montpellier, il poursuit ses recherches à travers plusieurs médiums.

Astérix dans le train est une série (encore en chantier) de dessins au feutre sur bois.

« Il existe maintenant des applications qui dessinent à notre place et qui sont capables de générer des images extrêmement sophistiquées. Elles procèdent en piochant dans des bases de données à partir de l’énoncé descriptif inclue par l’utilisateur. Il m’a semblé intéressant de chercher à faire dysfonctionner ce programme en lui demandant de reproduire un personnage de bande dessinée franco-belge, un style plutôt complexe pour l’application qui ne comprend pas la structure de ce dessin et produit des images presque abstraites.

L’intelligence artificielle possède un standard et préfère nous emmener vers ce qu’elle sait faire. Il m’a donc semblé intéressant de la mettre en crise et de provoquer une ambiguïté. J’ai choisi ensuite de transposer ces images en objets physiques, l’utilisation du feutre permettant d’y ajouter une teinte particulière, l’image semblant commencer à disparaître. »

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Cyprien SCHAFFNER

Peinture, sculpture, performances

Vit et travaille à Marseille

Formation à la Villa Arson École Nationale Supérieure d’Art de Nice puis aux Beaux-Arts de Marseille.

Cyprien, très concerné par l’avenir de la planète, se qualifie de « peintre nomade ». Sa démarche artistique est en lien avec la nature. Pour lui « elle est un tout non tranquille qui évolue en permanence et m’offre l’évasion, le rêve et l’inattendu ».

Dans toutes ses réalisations, il veille à utiliser et transformer ce qui se présente à lui dans les lieux et le contexte où il se trouve. Lors de son processus de création, il favorise un retour à la matière brute dans le geste et dans le médium lui-même. Ainsi il se sent au plus près de la réalité de l’environnement qui l’inspire. On peut dire qu’il pratique un art écologique, d’autant plus qu’il peint avec la terre de Provence et d’ailleurs.

« Ma peinture est un retour à la terre ». On ne peut mieux dire puisqu’elle est réalisée in situ, sur de grandes pièces de textiles, avec les moyens que lui offre le paysage : la terre, les végétaux, les pigments, etc. Avec tous ces matériaux, il s’est constitué une gamme de couleurs multiples, de quoi incarner différents horizons. Riche de cette palette, il compose une série de ciels imaginaires ou réels, sortant de l’interprétation pour plonger dans le ressenti et l’émotionnel. De plus, par sa pratique de peintre, il questionne la temporalité que peut avoir une œuvre, car il cherche à capter la lumière naturelle du lieu pour ainsi faire vivre la toile durant un temps donné.

A bientôt !

Jusqu’au 26 mars 2023, l’Hôtel de Caumont présente « Yves Klein, intime » avec l’ambition d’explorer la dimension personnelle et intime d’une œuvre souvent perçue comme spectaculaire. Réalisé en collaboration avec les Archives Yves Klein, ce projet rassemble une soixantaine d’œuvres.

À travers six sections, nous sommes invités à nous glisser parmi les intimes d’Yves Klein et, qui sait, à devenir imaginairement l’un d’eux. Avec ses parents, peintres, nous assisterons à ses débuts. Puis, aux cercles d’amis avec lesquels il crée, aux modèles avec lesquels il collabore, viendront se conjuguer sa vision des amateurs de peinture monochrome (…) et ses relations avec la religion, sa dévotion pour sainte Rita, patronne des causes désespérées. Ainsi, renversant la perspective habituelle, nous demanderons aux œuvres de nous introduire dans l’intimité de l’artiste, de nous convier à entrer en connivence avec lui ».

Après une brève introduction et quelques repères biographiques, le parcours s’organise en six sections thématiques :

• Désirs d’évasion et vrai départ
• Profondeur bleue
• Corps, chaire, empreintes
• Un super bon camarade
• Le bonheur et l’abîme
• Dévotion et spiritualité

Chaque séquence est introduite par un texte qui évoque avec cohérence et simplicité les relations de Klein avec sa famille, ses amis, ses modèles et les réflexions intellectuelles de l’artiste qui ont accompagné les œuvres exposées.

Les œuvres exposées sont issues du fonds d’atelier de Yves Klein, des collections du Musée d’Art moderne et d’Art contemporain (MAMAC) à Nice, du Centre Pompidou, Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle à Paris, du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía à Madrid, du Monastero di Santa Rita Delle Agostiniane di Cascia, de la famille Venet et de plusieurs collections particulières.

Le commissariat est assuré par Cecilia Braschi, en lien avec les Archives Yves Klein et avec le concours de Denys Riout.

Nous ne pouvons que vous recommander d'aller voir cette superbe exposition.

Voici venu le moment de notre rendez-vous mensuel avec trois chroniques.

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DANS LE RETROVISEUR

2010

Lorsque Daniel GROBET voit une œuvre du sculpteur Alexander Calder à la Fondation MAEGHT  dans le sud de la France en 1974, il découvre sa vocation :

"Il m'a semblé que ce travail d'équilibre pouvait devenir le mien, ou mieux encore, il aurait toujours pu l'être."

Cette compréhension profonde de l'équilibre qui lui a été révélée a alimenté ses recherches. Il s'est rendu compte que l'expression de l'intimité, de la dualité, de la résonance entre les personnes devient encore plus claire en travaillant avec des formes simples : lignes droites, courbes, cercles. ..

Bien que son parcours qui a changé sa vie soit venu de Calder, le parcours de Daniel GROBET est très différent, original et personnel. Les éléments de la sculpture se superposent simplement en équilibre tout en recherchant l'esthétique du mobile dans sa globalité.

" Pour moi, l'équilibre crée le mouvement, le mouvement une transformation de la vision de l'objet, qui devient une forme animée dans l'espace. En fait, je ne modélise pas le fer, je le plie, je le tord, je le martèle et en reliant et en harmonisant les lignes j'essaie de façonner l'espace."

Les recherches de Daniel GROBET portent sur les limites du possible dans ce domaine. L'expérience lui montre que la limite n'est pas le déséquilibre de la sculpture, mais la nécessité d'un poids exceptionnel pour maintenir l'ensemble en équilibre. Comme cela se produit simplement, facilement et précisément dans notre système solaire et dans tout ce qui nous entoure naturellement.

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LE LIVRE DU MOIS

L’Art contemporain par les femmes / Pascale Le Thorel.- Larousse, 2022.- 239 p. ; 29 cm.- 29,90 €

Ce documentaire présente, de manière alphabétique, 50 artistes contemporaines, des années 60 à nos jours.

Pour chacune d’entre elles : une biographie succincte, ses sources d’inspiration, ses œuvres principales, dont l’une reproduite en pleine page.

On y retrouve Marina Abramovic, Sophie Calle, Nan Goldin, Rebecca Horn, Eva Jospin, Yayoi Kusama, Annette Messager, Orlan, etc. mais également des artistes à découvrir, d’autres continents que l’Europe ou l’Amérique.

Un ouvrage intéressant !

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LA VIDEO

La Biennale 𝒎𝒂𝒏𝒊𝒇𝒆𝒔𝒕𝒐 𝒐𝒇 𝒇𝒓𝒂𝒈𝒊𝒍𝒊𝒕𝒚 a ouvert ses portes ! Plus de 200 artistes Dans 12 lieux Du 14 septembre au 31 décembre 2022.

Plusieurs membres de la MAC'A on eu la chance de s'y rendre le week-end dernier et ce fut une très belle découverte.

Ce mois-ci, nous vous proposons 4 mini vidéos qui nous donnent quelques informations sur la biennale d'art contemporain de Lyon et sûrement l'envie de vous y rendre...

A découvrir de vos propres yeux ! 👀 

A bientôt !